Arte Edición Nº203

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FOTOGRAFÍA ARGENTINA POP La Fundación Larivière presenta la primera muestra antológica de Marcos López, con curaduría de Valeria González. Fotografías 1975-2015 reúne más de 200 piezas de cinco décadas de […]

FOTOGRAFÍA ARGENTINA POP

La Fundación Larivière presenta la primera muestra antológica de Marcos López, con curaduría de Valeria González. Fotografías 1975-2015 reúne más de 200 piezas de cinco décadas de trabajo, desde sus inicios en Santa Fe hasta imágenes recientes nunca exhibidas. El recorrido incluye retratos, puestas en escena pop, fotografías intervenidas y piezas que dejaron huella en el imaginario colectivo.

Para la curadora, el artista marcó un punto de origen de la fotografía argentina contemporánea en 1993 con su serie “Pop latino”, cuando no existía Google ni Photoshop. “Marcos López se apropió de un estilo primermundista y publicitario para pronunciarlo mal, para erigir escenas de cartón pintado por cuyas fisuras se colaba toda la irreverencia y el candor de una estética de periferia”.

López construyó un lenguaje visual definido por el color saturado, el humor y la teatralidad. Sus imágenes, entre el artificio y el documental, combinan ironía, crítica social y afinidad con sus personajes. Abordó imaginarios populares, mitos nacionales y contradicciones de clase, con elementos de la cultura de masas, la publicidad, el cine y la iconografía religiosa. Una obra de dimensión autobiográfica que funciona como espejo de la identidad latinoamericana.

Con la muestra en curso, López sumó en la sala 2 una selección propia de imágenes intervenidas, cajas de luz y piezas de la última década, bajo su lema: “A la insípida consigna menos es más, le contrapongo más es más”. Su obra integra colecciones del Reina Sofía, la Tate Modern, la Fundación Cartier y el Guggenheim.

Fundación Larivière. Caboto 564, La Boca.

CUANDO LA LUZ SE VUELVE MATERIA

Penumbra: Dia Art Foundation transforma las salas de la Fundación Proa en un territorio de percepción suspendida. Casi treinta años después de su primera colaboración, Proa y la reconocida Dia Art Foundation trajeron a Buenos Aires obras de artistas centrales del arte contemporáneo: Andy Warhol, Richard Serra, James Turrell, Agnes Martin, Félix González-Torres y Robert Irwin, entre otros. La muestra, curada por Humberto Moro, parte de una idea simple y poderosa: la penumbra no es ausencia de luz, sino un estado intermedio donde la percepción vacila y se agudiza. En Penumbra, el espacio deja de ser fondo para volverse parte de la obra. Las “Shadows” de Warhol —monumentales serigrafías donde la sombra es simultáneamente tema y superficie— oscilan entre la abstracción y la representación a través de la repetición y el color. La luz adquiere corporeidad en las instalaciones de Turrell; el acero de Serra impone peso y sombra; las cortinas translúcidas de González-Torres filtran el sol porteño tiñendo el espacio de azul. Para el curador, “las obras reunidas abordan la luz como un vehículo de revelación o trascendencia, como una fuerza contingente: una energía modelada, obstruida, absorbida o difundida por cuerpos, materiales y condiciones espaciales”.

En Proa, avenida Pedro de Mendoza 1929, La Boca.

Montaje de la Exhibición: PENUMBRA, Dia Art Foundation.
Fundación PROA.
Buenos Aires. 26-03-2026

SURREALISMOS

Curada por Leandro Martínez Depietri, Continente Oscuro ocupa cuatro pisos del MACBA y reúne más de 85 obras —pintura, escultura, fotografía, collage, video y objetos intervenidos— de artistas mujeres, feminidades y disidencias argentinas que invocaron al surrealismo para interrogar la autoridad, el deseo, el cuerpo y lo colectivo.

“Lejos de un relato cronológico, propone un recorrido por territorios históricamente invisibilizados por el discurso hegemónico centrado en los patriarcas de esta vanguardia”, dice el texto curatorial. Un imaginario que no aparece como un estilo cerrado sino como un principio activo de crítica ideológica, capaz de cuestionar la racionalidad moderna desde la década de 1940 hasta hoy.

El título recupera el término que Freud empleó para referirse a la sexualidad de las mujeres —tomado del explorador colonialista Henry Morton Stanley, quien con ideas racistas había llamado así al continente africano—, y revela los límites de un psicoanálisis centrado en la experiencia masculina. “Las obras cuestionan la mirada dominante, ponen en tensión las normas sexogenéricas y exploran la relación entre placer, poder y transformación”.

El universo expuesto es amplio: Grete Stern, Raquel Forner, Aída Carballo, Mildred Burton, Alicia Penalba y Nicola Costantino, entre más de cincuenta artistas.

Museo de Arte Contemporáneo de Buenos Aires. Av. San Juan 328, San Telmo.

BITÁCORAS

Los diarios de Kuitca no guardan secretos. No son confesiones ni reflexiones íntimas. Son registros de trabajo. Cada uno explora la escritura, el dibujo, la pincelada, la mancha, el trazo, la obliteración. Desde lejos parecen planetas. De cerca, revelan un inventario de posibilidades.

A partir de 1994, una mesa de jardín rescatada se convirtió en el origen de esta serie. Kuitca colocó sobre ella un lienzo sin terminar. Lo que siguió fue un trabajo cotidiano donde la pintura convive con los objetos de la vida diaria: libros abiertos, tazas de café, correspondencia dispersa. En ese espacio comenzó a intervenir, a hacer marcas, a trazar geometrías, en un impulso casi vandálico. El gesto inicial detonó una práctica que no se detuvo. De una tela pasó a otra, y luego a otra más: una continuidad que perdura.

“La mesa está ahora aquí, junto a su silla, con un último diario. Quizás una repetición de aquella escena de final de fiesta, tan presente en su obra de los años ochenta, aunque ahora convertida en instalación y abierta a quien la mira”, escriben Andrés Buhar y Virginia Castro, curadores de Diarios 2000-2025.

En Arthouse, Bartolomé Mitre 434, CABA.